El agua como elemento purificador, por Alberto Vivó

1. El agua (H2O)

   El agua es una sustancia cuya molécula está formada por dos átomos de hidrógeno y uno de oxígeno. Es un elemento esencial para cualquier forma de vida. El 71% de la superficie terrestre es agua, y es el elemento constitutivo más abundante en el cuerpo humano con un 60%.

   El agua tiene multitud de aplicaciones: desde beber para hidratarse hasta la extinción del fuego pasando por todo tipo de actividades domésticas (lavar la ropa, los platos, fregar el suelo, lavarse los dientes), también en agricultura e industria, deportes y una larga lista de etcéteras pasando, claro está, por el baño.

2. El agua en las culturas clásicas y en la religión.

   Vamos a ver muy por encima tres grandes civilizaciones: Egipto, Grecia y Roma. Destacaremos sobre todo el importantísimo papel que jugó el agua y que se ve reflejado en gran cantidad de mitos y leyendas sobre el líquido elemento. Esto nos sirve para enlazar con el siguiente punto: el agua en la historia del arte.

   El antiguo Egipto

   El antiguo Egipto creció en el desierto a la orilla del río Nilo. Sin la presencia de este río hubiera sido imposible el desarrollo de la civilización egipcia.

   De la civilización egipcia se han conseguido rescatar cinco cosmogonías o mitos sobre la creación del universo. De estas cinco cave destacar la más importante, la cosmogonía helipolitana: según esta teoría al principio el mundo solo era líquido, el caos. El sol, Atum, una de las formas de RA (atardecer), se auto-creó y de su saliva, según unas fuentes o de su masturbación, según otras, surgieron Shu, dios del aire y Tefnut, diosa de la humedad, quienes engendraron a Geb, dios de la Tierra y Nut, diosa de los cuerpos celestes. Shu separó a Geb y Nut, quien dió a luz 4 hijos: Osiris, Isis, Seth y Neftis .

   EL MITO DE OSIRIS: Según la leyenda Osiris fue un rey de una gran bondad, que apartó a su pueblo del canibalismo, enseñándoles en su lugar la agricultura. Pero, su hermano, Seth, quien le odiaba, conspiro contra él, con la colaboración entre otras personas, de la reina de Kush. Seth engaño a Osiris para que se introdujera en un cofre, posteriormente lo sello, y lo arrojó al río. Cuando Isis, esposa y hermana de Osiris, se entero buscó el cadáver. En Biblos, encontró el cuerpo, pero Seth, se enteró de ello, y lo lanzó de nuevo al río, pero ahora el cuerpo estaba descuartizado en catorce pedazos. Isis, logro junto a Neftis, recuperar trece trozos, pero no pudo recuperar el último, precisamente el que correspondía al falo; pero con la ayuda de Anubis y de la Magia, nació Horus. Horus se enfrentará a Seth, y saldrá vencedor, quedando Osiris como rey de los muertos.

   Este mito posee ciertas connotaciones solares. Se ha interpretado también como mito fluvial: Osiris es el agua o el Nilo, padre de Egipto; Isis, la tierra vegetal, y Seth, el desierto, la terrible sequía, enemiga de Isis y Osiris .

   Grecia

   En antigua civilización griega existieron multitud de mitos sobre los dioses del mar. El más conocido de todos ellos es Poseidón: Hijo de Cronos y de Rea, como sus otros hermanos fué devorado por su padre al nacer. Con su esposa Anfritite tuvo tres hijos: Tritón, Rode, Bentecisime. Poseidón es el dios de los mares y de los rios, tiene el poder de metamorfosearse y también puede cambiar a los humanos.

   En la mitología romana la versión del Poseidón griego es su Neptuno. Es el hijo mayor de Saturno y Ops, hermano de Júpiter. Neptuno gobierna todas las aguas y mares. Cabalga sobre las aguas con caballos blancos. Todos los habitantes de las aguas lo deben obedecer.

   El agua en la religión

   De la religión judía la leyenda más conocida es la de Moisés separando las aguas para liberal al pueblo judío de la esclavitud.

   En el cristianismo y en otras religiones de común raíz el agua resalta principalmente por el sacramento del bautismo. Es un rito de iniciación y purificación del espíritu del bautizado. La iglesia católica define el bautismo como: “Un signo sensible instituido por nuestro Señor Jesucristo para perdonar el pecado original y cualquiera otro que hubiese en el que se bautiza.”

   Otro capítulo a resaltar por la importancia del agua es el de las bodas de Canaa, donde supuestamente Jesús obró su primer milagro convirtiendo el agua en vino durante la boda.

   Poncio Pilatos se lavo las manos después de condenar a muerte a Jesús y dijo: “Yo soy inocente de la sangre de este justo, vosotros veréis”. El acto de lavarse las manos limpia la suciedad física de estas y la suciedad metafórica de la conciencia.

3. El agua en la historia del arte

   Literatura

   - La Odisea de Homero. Poseidón, el ya mencionado dios griego, es el desencadenante principal de los sucesos.

   - Coplas a la muerte de su padre – Jorge Manrique (siglo XV):

   Nuestras vidas son los ríos

   que van a dar en la mar,

   que es el morir;

   allí van los señoríos

   derechos a se acabar

   y consumir;

   allí los ríos caudales,

   allí los otros medianos

   y los chicos,

   y llegados, son iguales

   los que viven por sus manos

   y los ricos.

   Pintura

   - Taufe Christi (Juan bautiza a Jesús) – Piero della Francesca

   - Gaston Bussière – Las Nereidas (En la mitología las Nereidas son las hijas de Nereo y de Donis. Se les considera las ninfas del mar, puesto que vivían en las profundidades del océano; no obstante emergían a la superficie para ayudar a marineros que surcaban los procelosos mares).

   - La muerte de Marat – Jacques-Louis David. El cuadro representa la muerte de Jean-Paul Marat, que escribía para un periódico radical, este hombre cuando se bañaba solía escribir una lista de con los hombres que debían ser ejecutados por crímenes contra el estado. Él estaba muy relacionado con la facción jacobina durante el reinado del terror, en plena revolución francesa. Fue asesinado por Charlotte Corday, que apoyaba la facción girondina, más moderada. Ella le apuñalo mientras él se bañaba.

4. El agua como elemento purificador en el cine

   Son muchas las películas en las que el agua ejerce una función claramente purificadora.

   - (1959) Río Bravo – Howard Hawks (USA)

   El personaje de “Dude” (Dean Martin) tiene problemas con el alcohol que le llevan a ser un tirado, un miserable, una persona sucia. Evoluciona hasta ser la persona que algún día fue, el perfecto ayudante del sheriff. Esa evolución pasa por la limpieza interior y la limpieza exterior (esta última no se ve pero si que se hace referencia). A lo largo de la película se baña dos veces, y en sendas ocasiones le trae complicaciones: en una le dispara accidentalmente el otro ayudante del sheriff, acto que le hace recaer un su infierno personal, se ve a si mismo como un miserable que ha echado a perder su dignidad. Cuando consigue salir de ese infierno sin recaer en la bebida vuelve a limpiarse, vuelve a la ducha, pero inmediatamente después de esta ducha le secuestran los malos.

- (1959) Los cuatrocientos golpes - François Truffaut (Francia)

En esta película Truffaut empieza a utilizar a Jean-Pierre Léaud como su alterego. Léaud interpreta a Antoine Doinel, un joven con problemas familiares con una conducta que la sociedad del momento considera impropia en un adolescente. Se ve claramente como padres, profesores y autoridades juzgan al joven Antoine como un adulto más. Él se pasa corriendo toda la película para huir, en casi todas las escenas el corre. Al final de la obra lo vemos correr por ultima vez cuando se escapa del reformatorio, pero una vez burlado a sus perseguidores sigue corriendo pero sin huir, esta vez corre para encontrarse con el mar, y no para de correr hasta que sus pies tocan el agua. Para él el mar significa libertad.

- (1986) Sacrificio – Andrei Tarkovsky (Suecia)

Alexander, el protagonista, es convencido por el cartero para realizar el sacrificio que salvará al mundo y a su familia. Cuando llega a casa de María se limpia las manos para purificar el alma ya que el sacrificio consiste en hacer el amor con María.

- (1995) The pillow book – Peter Greenaway (UK aunque transcurre en Kyoto y Honk Kong)

Nagiko, hija de un calígrafo, es felicitada en sus cumpleaños por su padre que le escribe una felicitación en la cara con gran caligrafía. Cuando Nagiko crece trata de conseguir un amante-calígrafo que le escriba en todo el cuerpo, al no conseguir a nadie decide convertirse ella misma en la calígrafa y utilizar el cuerpo de sus amantes como hojas en blanco. El agua en este caso tiene como función borrar la obra escrita en los cuerpos: limpia el cuerpo dejando de nuevo una hoja en blanco para poder crear una nueva obra.

- (1997) Giro al infierno (U turn) – Oliver Stone (USA)

Booby Cooper, el personaje interpretado por Sean Pean, ha sufrido una avería en el coche en pleno desierto de Arizona, pudiendo llegar a un pequeño pueblo olvidado en el que todos parecen estar locos. Toda la historia se desarrollará en este pueblo pareciendo que Booby nunca logrará salir de allí. El momento en el que Booby se ducha sirve para que el director nos cuente a través de los recuerdos del protagonista el tipo de persona que es: un perdedor que debe dinero a la mafia y e consecuencia le han cortado varios dedos. En la ducha se vive un momento de reflexión donde el protagonista no puede olvidar los problemas que le rodean.

- (1999) American Beauty – Sam Mendes (USA)

Una de las primeras escenas de la película es cuando Lester (Kevin Spacey) se masturba en la ducha. Según dice el propio Lester en la narración “Este es el mejor momento del día, todo será cuesta abajo a partir de aquí”. Esta escena caracteriza notablemente al personaje ya que apenas se está presentando. Es un peculiar rito de purificación diaria que Lester usa para empezar bien el día.

También es significativo el hecho de que lester fantasée con Angela (la amiga de su hija) sumergida en pétalos de rosas en una bañera, el lugar donde se masturba diariamente. Esta fantasía le lleva a masturbarse en la cama junto a su mujer y esta se da cuenta y se enoja. El baño de rosas nos introduce el tema de la sensualidad juvenil, de la belleza perfecta y nos anticipa sutilmente la virginidad.

- (2004) Temporada de patos – Fernando Eimbcke (Mex)

Este film trata de un par de adolescentes de catorce años que se quedan un domingo solos en casa, pretenden pasar el día jugando a video-juegos y tomando comida basura pero a su casa llegan dos nuevos personajes: una vecina que necesita usar el horno, y un repartidor de pizza con el que los chicos tienen un conflicto y no pretender pagarle, por ello el repartidor se queda en la casa hasta que surge una especie de relación paterno-filial con uno de los muchachos. En un momento de agobio el pizzero decide darse un baño para reflexionar. En el transcurso de dicho baño tiene una revelación en la que decide dejar ese trabajo basura y seguir su vocación: ser veterinario. El baño en este caso hace limpieza de los conflictos internos del personaje, le hace llegar a tomar una decisión que nunca se hubiera planteado.

- (2006) La ciencia del sueño – Michel Gondry (Francia)

Gael García Bernal interpreta a Stephane, un joven de gran imaginación que tiene problemas para separar la realidad de los sueños. Cuando está inmerso en un sueño de los grifos en vez de agua sale celofán. En una escena se prepara un baño en la vida real, pero cae víctima de su propio sueño, es un baño de celofán y agua, de fantasía y realidad donde el subconsciente toma por algunos momentos las riendas y se apodera del cuerpo de Stephane quien realiza acciones que de ningún modo se atrevería a hacer jamás. Cuando el agua se enfría él recupera la realidad, despierta. El agua es por lo tanto una frontera entre la realidad y los sueños.

- (2007) Paranoid Park – Gus Van Sant (USA)

Esta obra de Van Sant está narrada según la visión de un adolescente al escribir una carta narrativamente desestructurada a una amiga con el fin de confesar un accidental crimen que le llevó a acabar con la vida de un hombre inocente. Durante la película vemos doblemente la misma escena en la que Alex, el protagonista, se ducha. En la primera visión de la escena es evidente que Alex está tratando de limpiarse no sólo físicamente sino también espiritualmente, una limpieza de conciencia. La segunda visión de la escena se presenta una vez desvelado el ya mencionado crimen accidental, por lo que la escena cobra un sentido completo y la ducha simboliza el intento de Alex por limpiar su interior. La ducha no es capaz de borrar el sentimiento de culpabilidad, quizá sea al escribir la confesión cuando pueda empezar a encontrar la paz consigo mismo.

- (1960) Psicosis – Alfred Hitchcock (USA)

Esta película ya la desarrollaré más adelante, simplemente mencionar que Marion se mete en la ducha una vez ha decidido volver a Phoenix y regresar el dinero robado. La ducha en principio es para aliviar el sentimiento de culpabilidad que le ha seguido desde que cometió el robo.

4. Otros tipos de baños: el lago, el río y el mar.

   El lago

   - (1980) Viernes 13 – Sean S. Cunningham (USA)

   Este clásico del terror tiene como escenario un campamento de verano junto al lago. El lago es parte fundamental de esta historia ya que según la leyenda hace años murió ahogado un joven llamado Jasson. Esta historia es la escusa para el desencadenante del asesinato de los protagonistas de la película y de sus múltiples secuelas. En este caso el agua no actuá como elemento purificador, más bien representa la muerte y la venganza. Estamos puesta ante una corrupción del motivo visual.

   El río

   - (1979) Apocalypse now - Francis Ford Copola (USA)

   Esta película es una adaptación de la novela de Joseph Conrad “El corazón de las tinieblas”. El Capitán Willard (interpretado por Martin Sheen) tiene que abrirse paso, acompañado por sus hombres, a través de la jungla vietnamita con el objetivo de llegar hasta la posición del Coronel Kurt, personaje que la perdido todo contacto con la realidad creando su propio ejercito y dejándose adorar por los nativos convirtiéndose en un semidiós. El Capitán Willard y sus hombres realizan el viaje remontando un río. Con forme transcurre la película el entorno, los personajes que van apareciendo, y los propios personajes que acompañan a Willard van reduciendo exponencialmente su cordura a la vez que suben el río. El río es, pues, un camino hacia la locura más absoluta, el punto donde se refugia el Coronel Kurt. También podemos hablar de la corrupción de motivo visual, en este caso el río transmite la locura.

   - (2006) El velo pintado – John Curran (USA)

   Este film es la segunda adaptación a la pantalla grande de la ópera prima de William Somerset Maugham, la primera película sobre esta novela la realizó Richard Boleslawski en 1934. Esta película narra la relación de un matrimonio formado por Walter (Eduard Norton) y Kitty (Naomi Watts). La pareja se traslada a Shangai debido a la profesión de él, un médico con grandes dotes de investigación científica. Cuanto Walter descubre que Kitty le es infiel decide trasladarse a una remota aldea en la jungla china para luchar contra el cólera que amenaza a la población, él se lleva a la fuerza a su esposa. Al llegar a la aldea Walter no tarda mucho en descubrir las causas de la rápida expansión del cólera, el agua está contaminada. Los aldeanos han ido enterrando a sus muertos a las orillas del río contaminando el agua e infectando a muchísima gente. El agua contaminada. Kitty al ver como su marido lucha por traer agua sana a la aldea y de curar a los enfermos empieza a enamorarse de él. El río representa la enfermedad en gran parte de la película hasta que Walter construye una especie de acueducto que lleve agua sana a la aldea, el agua vuelve a ser pura.

   - (2005) Sunflower – Zhang Yang (China)

   Este film lo desarrollaré en el siguiente apartado: el agua en otras culturas. Simplemente indicar que la escena a analizar transcurre en un río, en ella vemos como el padre limpia al hijo y la ropa de este, se produce la primera reconciliación entre ambos. El agua del río limpia la suciedad del niño y también su relación con el padre.

   El mar

   - (1975) Tiburon – Steven Spilberg (USA)

   Una isla cuya fuente de ingresos principal es el turismo se ve asediado por los ataques de un tiburón blanco. El jefe de la policía de la isla pretende acabar con esta amenaza pero tiene fobia al agua. La película es un viaje personal de este policía que consigue enfrentarse a sus miedos y acabar con la amenaza. Esta película también sirve para introducir el tema que desarrollaré más tarde: cuando el agua se tiñe de sangre.

   - (2001) Lucía y el sexo – Julio Medem (España)

   Uno de los escenarios de esta película es la isla. Lorenzo concibe a su hija Luna cuando hace el amor con una desconocida en el mar una noche de luna llena. Aquí el mar es todo lo contrario a la película anterior, no representa ninguna amenaza, es el lugar ideal para la tranquilidad. También en esta película podemos ver los efectos de los baños de barro: Lucía acompañada de otro personaje se da un baño de barro sensual que no acaba en sexo, pero que produce en Lucía un momento de reflexión y de tomar conciencia de ella misma.

5. El baño en otras culturas (China)

Zhang Yang es un director chino hijo de Zhang Huaxun, otro director de cine. Su cine es realista y recurre habitualmente a relaciones paterno-filiales y a la contraposición modernidad-tradición. Su filmografía como director cuenta de cinco títulos: “Sopa picante de amor” (1997), “La ducha” (1999), “Dejar de fumar” (2001), “Sunflower” (2005) y “¿Cómo volver?” (2007).

- (1999) La ducha – Zhang Yang

La película abre con un personaje secundario introduciéndose en una cabina de auto-lavado para personas. Esto contrasta con el escenario principal de la película, un baño público tradicional. Por lo tanto la película empieza bajo la premisa de que los tiempos modernos amenazan lo tradicional, lo clásico.



El agua como nexo para todas las tramas: La principal de la familia: el padre, Viejo Llu, es propietario de un local de baños públicos, tiene dos hijos, el mayor de ellos, Daming, se fue de Pekin con otras aspiraciones para su vida, y vuelve porque cree que su padre ha muerto, aunque no ha sido así, el decide quedarse unos días con su padre y su hermano Erming que es retrasado mental. El autor nos muestra como funcionan los baños públicos tradicionales de china con las duchas y las piscinas, y los servicios que ofrecen como masajes, afeitado y corte de pelo, ventosas de fuego, manicura y pedicura. También recalca el carácter caduco de esta tradición, vemos que los clientes que frecuentan el establecimiento son bastante mayores, el viejo Llu a parte de ser el dueño del establecimiento es el amigo y protector de sus clientes, hace de mediador en las disputas, e incluso de consejero matrimonial. La muerte del padre se produce en el baño. Las tramas secundarias también están relacionadas con la ducha: La historia de como la madre de Erming antes de la boda tuvo que ir consiguiendo agua en una región del sur azotada por la sequía, ya que es tradición que la novia se de un baño antes de la boda. La leyenda del lago santo que limpia el cuerpo y el espíritu. El matrimonio que arregla sus diferencias en los baños, una vez reconciliaros vivirán en una casa con una ducha espaciosa para hacer baños de enamorados. El chico del “O sole mio” sufre que un bloqueo mental en el escenario, pero bajo la ducha se siente a gusto y canta.

- (2005) Sunflower – Zhang Yang (China)

Esta otra película del autor chino cuenta la relación de un padre con su hijo a lo largo de los primeros treinta años de la vida de este. Sirve también para poner de manifiesto la rápida transformación de la capital china, de como pasó de ser una ciudad tradicional bajo el control comunista de Mao Tse-Tung, a ser una capital capitalista de grandes rascacielos y tiempos modernos. En la película hay tres momentos clave relacionados con el agua: del primero de ellos ya hemos hablado, como el padre lava al hijo y la ropa de este en el río. Hay que contar que durante los primeros años de la vida del joven el padre no pudo estar presente ya que fue condenado por enemigo del régimen. Él pudo volver a casa cuando su hijo tenía seis años. Este no lo reconoce como padre, lo que lleva al padre a tomar una actitud más autoritaria. Tras un terremoto que deja mellada la comunidad en la que viven, el padre se lleva al hijo al río para lavarse y recoger agua, tras esta secuencia vemos que el hijo por fin le reconoce como padre. En la otra escena a resaltar el hijo ya es adolescente y los problemas con su padre crecen abrumadoramente debido a la actitud autoritaria de este. En un momento de enfado el hijo huye del padre y este le sigue, la escena transcurre en la superficie de un río congelado y finaliza en el momento en el que el hielo se rompe bajo los pies del padre. El hijo tiene que tomar la decisión de rescatar al hombre que odia o dejar morir a su propio padre. El tercer momento en el que el agua cobra importancia es ya cuando el hijo es adulto y vive en un apartamento con su novia. Al despertar un día descubren que ha explotado una tubería y el apartamento está inundado, deciden llamar a los padres de él para que les ayuden a achicar el agua y limpiar el apartamento, en esta visita los padres descubren que ella está embarazada, lo que genera un nuevo conflicto ya que el hijo pretende abortar y el padre insiste en que deben tenerlo. Otro choque generacional.

6. Pyscho

   - (1960) Psicosis – Alfred Hitchcock (USA)

   Psicosis es una película rompedora en muchos sentidos. Desde un punto de vista de guión hay bastantes elementos que rompen con la narrativa tradicional. Uno de estos elementos es el inicio propio de la película con una panorámica de la ciudad y un título sobre impreso que indica que estamos en Phoenix, Arizona. Esta indicación lleva al espectador a pensar que la acción de la trama transcurrirá en dicha ciudad, pero se tarda muy poco en salir de allí para no volver más. Eso es solo el comienzo, el mayor engaño de la película, el mayor atrevimiento narrativo viene dado por la elección del protagonista, Norman Bates. Al comienzo de la película, Hitchcock nos presenta a Marion Crane y nos hace creer que es nuestra protagonista, nos hace empatizar con ella mediante sus problemas sentimentales y económicos, le hace robar una gran cantidad de dinero y el espectador sigue siendo fiel a ella. Todo ello para eliminarla pasada más de media hora de película dejando al espectador huérfano, en una especie de limbo en una película en la que su protagonista ha sido asesinada. El protagonismo pasa ahora al joven Norman en como se tiene que esforzar por limpiar la escena del crimen y deshacerse de las huellas que puedan incriminar a su madre, la asesina de Marion. Norman se deshace del vehículo de Marion sumergiéndolo en un lago. He aquí otra vez el motivo visual del lago, de como se come las pruebas, de como oculta los vehículos, y de como estos vehículos ocultan a su vez los cuerpos de las víctimas. Para poder soportar el cambio de protagonista, Hitchcock nos presenta a Lila, la hermana de Marion que se adentra en la búsqueda de su desaparecida hermana, para ello cuenta con la ayuda de Sam (el novio de Marion). También introduce un nuevo personaje, el detective Arbogast que hace avanzar la historia y llevarla de nuevo hasta el motel Bates.

   La famosa escena de la ducha, como ya he mencionado antes, representa en primera instancia el arrepentimiento de Marion, el lavado de conciencia, la decisión de volver a Phoenix y devolver el dinero. Pero todo eso se rompe cuando aparece en escena la señora Bates empuñando un gran cuchillo con el que apuñala a Marion a ritmo de una magistral banda sonora en la que Bernard Herrmann consigue que los violines suenen a cuchillazos y los cuchillazos suenen a violines. Es en este momento cuando el agua se tiñe de sangre, todo un símbolo visual que se repetirá hasta la saciedad en futuras producciones. El motivo visual del agua como elemento purificador ha sido corrompido, el agua no limpió la conciencia de Marion, acabó con ella. Cuando Norman Bates descubre el terrible asesinato se ve obligado a proteger a su madre, por ello ha de limpiar las pruebas. Con el grifo de la ducha limpia los restos sangre de la bañera, otra variación del motivo que volveremos a ver repetida en diversas obras posteriores.

7. La ducha en el cine después de Pyscho

   - (1971) La naraja mecánica – Stanley Kubrick (UK)

   Alex Delarge en su etapa de adolescente criminal entra en la casa de un escritor acompañado de sus drugos y propina una brutal paliza al hombre de la casa, luego viola a su mujer. Todo esto mientras hace una coreografía cantando “I singing in the rain”. Cuando Alex es capturado, encerrado y puesto en libertad tras una terapia de modificación de conducta se ve obligado a enfrentarse al mundo que dejó cuando fue encerrado, con un montón de cuentas pendientes con la gente a la que hizo daño en aquella etapa. Esto le lleva a caer en la casa del escritor, que en un principio le proporciona protección frente a ese nuevo mundo cruel que le esperaba con su puesta en libertad. En la casa del escritor Alex protagoniza una escena en la bañera, al principio esto representa la calma, el final de sus problemas, la purificación después de la humillación, pero como en Psicosis se genera un giro repentino en el curso de ese baño, Alex cae en el error de cantar “I singing in the rain” y el escritor reconoce en él al joven agresor que causó la muerte de su esposa y su discapacidad hace un par de años.

   - (1980) Vestida para matar – Brian de Palma (USA)

   De Palma “homenajea” a Hitchcock con esta película que yo calificaría como una versión de Psicosis ya que cuenta con la misma trama. Kate Miller (Angie Dickinson) es la nueva Marion Crane, este personaje femenino ejerce el papel de protagonista durante la primera media hora hasta que es asesinada. El Dr. Elliott (interpretado por Michael Caine) sería el Norman Bates de esta película. Liz Brake (Nancy Allen) pasaría a tener parte del protagonismo tras la muerte de Kate, como le ocurre a Lila en Psicosis, y por consiguiente también el asesino travestido le intenta matar. En este caso el Dr. Elliott asesina bajo la personalidad femenina de la mujer que quiere llegar a ser, pero que su lado masculino le impide ser. Es una pequeña variación de la personalidad de la señora Bates adoptada por Norman. De hecho también hay una escena llegando al final de la película donde un psiquiatra explica a los protagonistas (y al público) el misterioso caso de trastorno de la personalidad. En esta película no hay asesinato en la ducha, pero sin embargo comienza y acaba con una escena en la ducha primero con Kate y después con Liz. En ambos casos son sueños de los personajes. En el de Kate pasa de ser un sueño erótico a una pesadilla ya que es asaltada en la ducha mientras se masturba. En el de Liz es una pesadilla en la que supuestamente el Dr. Elliott ha escapado y ha conseguido llegar hasta Liz para acabar con ella.

   - (1984) Chico conoce chica – Leos Carax (Francia)

   Esta película cuenta como dos jóvenes con problemas de pareja llegan a conocerse en el transcurso de una noche. La película es de una narrativa experimental heredera de la nouvelle vague. En la escena final la chica se prepara un baño, un baño que nunca se produce, la bañera se desborda mientras que ella está en el salón decidiendo quitarse la vida clavándose unas tijeras. Se monta en paralelo la sangre brotando y la bañera desbordada. A estos elementos hitchcocknianos añadimos el uso de las tijeras como arma que Sir Alfred usó en su “Crimen perfecto).

   - (2001) La pianista – Mikael Haneke (Francia)

   Este film narra la vida de una profesora de piano de aspecto serio y amargado con una vida interior dominada por una perversión sexual fuera de los límites de lo admitido socialmente. Se puede decir que Erika está desequilibrada y que sufre un trastorno obsesivo con su madre, una especie de mezcla entre el complejo de Edipo y el complejo de Electra. El personaje de la madre es severo, autoritario, dominante, sobreprotector, controlador y manipulador. Uno tiende a pensar en cierta similitud con la Señora Bates, Hitchcock no nos la presentó directamente, pero nos dió una idea aproximada de como pudo ser en vida y podría ser en cierto grado la madre de la pianista. Erika pasa a adoptar el papel desquiciado y desequilibrado de Norman Bates.

   La escena en la que visualmente vemos usar el agua es cuando Erika en la bañera procede a realizarse cortes con una cuchilla en la vagina, una perversión sorprendente de la que empieza a salir sangre. Para no ser sorprendida por su madre, Erika usa el agua limpia la sangre de la perversión que ha cometido en el hogar materno. Este símbolo visual del agua limpiando la sangre sirve para introducir el siguiente tema:

   Cuando el agua se tiñe de sangre

   Son multitud las películas en las que el agua limpia la sangre o la sangre ensucia el agua. En este apartado me limitaré a describir brevemente algunas escenas en las que agua y sangre se mezclen.

   - (1976) Carrie – Brian de Palma (USA)

   En esta adaptación de la novela de Stephen King vemos a una joven Carrie menstruando en las duchas del colegio. El agua se tiñe de sangre.

   - (1983) Scarface - Brian de Palma (USA)

   Muerte de Tony Montana a lo Santino Corleone. Cae el cuerpo sin vida en la fuente tiñendo el agua de rojo.

   - (2003) Kill Bill – Quentin Tarantino (USA)

   En esta película vemos una escena parecida a la muerte de Tony Montana, la protagonista irrumpe en el bar elegante donde está O-Ren (Lucy Liu), Uma Thurman lucha contra todo aquel que le sale al paso, dejando todo lleno de cuerpos incluida la fuente del local que queda totalmente cubierta de sangre.

   - (1975) Tiburon – Steven Spilberg (USA)

   De esta película ya hemos hablado, mencionar unicamente las escenas en las que el tiburón caza a sus presas, el agua marina se tiñe de sangre humana.

8. La corrupción del motivo

   - (1968) Hasta que llegó su hora – Sergio Leone (Italia)

   En esta película el agua no tiene un valor visual pero actúa como motor de la historia. El propietario de una aldea desértica es asesinado junto a sus hijos por el asesino contratado por un magnate de la industria ferroviaria. El interés oculto bajo estas muertes reside en que estos terrenos contaban con la única fuente de agua de la zona, por lo que el ferrocarril debía pasar por allí necesariamente (ferrocarril de vapor). El dueño tenía pensado crear una población en torno al ferrocarril, lo que iba en contra de las expectativas económicas del magnate, ya que prefería ser él quien explotara económicamente esa zona. El agua en esta historia es el conflicto desencadenante de la trama matriz de la película.

   - (1972) El padrino – Francis Ford Coppola (USA)

   El bautismo del hijo de Conie Corleone en paralelo a la aniquilación de enemigos de Michael.

   Michael está llevando a la pila al hijo de su hermana, es su padrino. Mientras tanto sus hombres están eliminando violentamente a los enemigos de la familia. Es un fabuloso montaje en paralelo en el que vemos a Micheal adorar a Dios, rechazar a Satanás y bautizar a su sobrino purificando su alma mientras que ha ordenado el asesinato a sangre fría de sus rivales.

   - (1981) Navajeros – Eloy de la Iglesia (España)

   En esta película vemos a José Luis Manzano interpretando al Jaro, un conocido delincuente juvenil que siembra el caos por Madrid. Pese a tener sólo quince años el Jaro ya vive como un adulto, roba, conduce, tiene armas, se acuesta con prostitutas. Su manera de ser forma parte de su idiosincrasia, en el ambiente barrio-bajero en el que se ha criado, los amigos rateros, su familia desestructurada, su madre es prostituta y su hermano está en la cárcel... todo ello hace que la forma de ganarse la vida entre dentro de su normalidad. Por esta razón cundo vemos la secuencia en la que el Jaro se baña sabemos que el agua nunca limpiará su carácter. Este baño no limpia. Esta secuencia nos recuerda a la escena de “Cayo Largo” (película de John Huston de 1948) en la que Johnny Rocco está en la bañera disfrutando de un habano: es un ganster que seguirá siéndolo después de la ducha.

   - (1996) Trainspotting – Danny Boyle (UK)

   Baño en el retrete más asqueroso de Escocia en busca de la corrupción más mundana. Nuestro personaje se introduce en el váter en busca de un supositorio que le sirve para anular los efectos del síndrome de abstinencia. Esta escena está narrada en forma de fantasía ya que él consigue introducirse en el interior del retrete que se convierte en un gran estanque y consigue llegar buceando hasta el fondo donde encuentra su supositorio. Es una representación de la bajada a los infiernos, lo más bajo que puede llegar a caer el personaje.

6. El río contaminado

   El velo pintado de esta película ya hemos hablado antes igual que de Apocalypse Now. En ambas el río está contaminado. En una de cólera y en la otra de locura.

   El suicidio en la piscina

   - (2006) Shortbus – John Cameron (USA)

   James es uno de los personajes de esta película, él decide suicidarse, para ello graba un video a su novio como despedida y para que sepa que él no tiene la culpa. Decide que su muerte sea en la piscina, por ello se toma muchos tranquilizantes, se coloca una bolsa de plástico en la cabeza y se tira a la piscina.

   - (1997) Martín (Hache) – Adolfo Aristarain (Argentina)

   En esta película el suicidio en la ducha lo protagoniza Alicia, la amante de Martín Padre. En este caso también se atiborra de fármacos para hacer más fácil la muerte.

   - (1999 – 2007) Los Soprano – David Chase (USA)

   En la última temporada de la serie, AJ, el hijo menor de la familia decide quitarse la vida ya que está inmerso en una gran depresión. Para ello decide ahogarse en la piscina.

   Temas descartados

   La ducha en la prisión

   Oz: lugar para violar y asesinar.

   La ducha es un lugar de suicidio

   La fuente

   La dolce vita

   El sexo durante el baño

   Baños compartidos

   Lavar al otro

   8 y 1/2

La Mujer y El Monstruo, por David Marín

1. Análisis de lo monstruoso

El cine de terror es un subgénero de género de Fantasía, que se divide en la fantasía propiamente dicha (el señor de los anillos), la ciencia ficción (Alien) y el terror. Evidentemente esta división es fácilmente quebrantable. El subgénero de terror es especial, puesto que lo que sentimos durante el visionado de estas películas debería hacernos aborrecerlas, pero la catarsis que alcanzamos en el clímax no es comparable a la de ningún otro género. Estas sensaciones al convertirse en colectivas hacen que el fenómeno de la afición sea comparable a los grupos de rock o los equipos de fútbol. (disfraces, colores,...)

Esta contradicción hace del género una perversión, puesto que somos un poco masoquistas al disfrutar con lo que nos hace temer.

Según algunas acepciones de la RAE

monstruo.

1. m. Producción contra el orden regular de la naturaleza.

2. m. Ser fantástico que causa espanto.

Y

monstruoso, sa.

1. adj. Contrario al orden de la naturaleza.

3. adj. Muy feo.

4. adj. Enormemente vituperable o execrable.

Pero esto no explica porque sentimos miedo ante los relatos de terror. Analizando la obra de Freud, y más concretamente de uno de su estudiosos Gad Horowith, lo siniestro en las vivencias se da cuando complejos infantiles reprimidos son reanimados por una impresión exterior o cuando convicciones primitivas superadas parecen hallar nueva confirmación.

Esto quiere decir que cuando vemos representadas las represiones (ya sean básicas o excedentes) que tenemos en nuestro interior sentimos miedo, de una manera totalmente incosciente. En el género del terror la normalidad se siente amenazada por lo monstruoso, puesto que la naturaleza del monstruo es siempre incompatible con lo que entendemos por normalidad.

De ese conflicto nacen las historias de terror donde la normalidad (representada por una pareja, familia o una comunidad) se ve amenazada por el ser monstruoso.

El monstruo, según los estudios de Robin Cook, casi siempre es extranjero, no anglosajón, su nombre acaba en A, no es protestante. ¿Lo que nos convierte a todos nosotros en monstruos?

Pero, podemos analizar las representaciones del terror en el cine de la siguiente manera.

-Lo extranjero.

-La sexualidad femenina, la homosexualidad (Aunque esta última ya no se utiliza)

-La locura. Ya sea psicopática o esquizofrénica. Unificando el mito del temor a la locura y a la muerte. Se genera un género propio, híbrido entre el terror y el policíaco.

-La venganza de la naturaleza.

-Las sociedades secretas. (satanismo y anticristo)

-Los niños, muy relacionados con la anterior, aunque no siempre.

-El canibalismo.

2.Antecedentes en la historia del arte

Literatura- Tradición oral

Desde siempre nos ha gustado escuchar historias de miedo a la luz del fuego. Por lo que es difícil establecer un origen al relato de terror. Ya en los relatos clásicos podemos observar a los faunos, sátiros, minotauros, centauros y otros, que podríamos considerar los monstruos de la mitología. También deberíamos comentar los pasajes de "La divina comedia" de medieval Dante Algieri del purgatorio y el infierno. También comentar los cuentos infantiles de Perrault, los hermanos Grimm o JM Leprince de Beumont, creadora de "La belle et la bête". Mencionar que los finales felices para los cuentos son adaptaciones modernas de los relatos originales. Pero narrativamente la novela de terror aparece en el romanticismo, nacido en contrapartida al enciclopedismo reinante después de la revolución francesa. Destacar los títulos de "El jorobado de notre-dame" de Victor Hugo o "El fantasma de la ópera" de Gaston Leroux. Ya Lord Byron o Gustavo Adolfo Becker o el mismo "Fausto" de Goethe dan muestra de textos escritos con la finalidad de sentir placer en el miedo que se siente al leerlos, pero será Mary Shelly con "Frankenstein o el moderno prometeo" la que introduce la crítica a nuevas corrientes positivistas que acabaran dominando el panorama cultural de mediados-finales del siglo diecinueve. Y no será hasta los albores del siglo XX que Franz Kafka en centro europa, Edgar Alan Poe y Howard Philips Lovertcraft en estados unidos o posteriormente los argentinos Horacio Quiroga o Jorge Luis Borges retoman la temática terrorífica para dar la contrapartida a naturalismo decimonónico. Ya en el siglo XX hay que mencionar al norteamericano Stephen King puesto que cinematográficamente se han conseguido llevar algunos de sus relatos a obra maestra. (El resplandor)

Pintura y escultura

También es difícil establecer un origen, de hecho no existe un movimiento artístico que se defina como terrorífico. (Si acaso el gótico moderno...) Pero siempre ha estado presente en las mentes de los artistas. Debemos iniciarnos en la Grecia clásica con las representaciones de los monstruos mitológicos. Más adelante con las representaciones del infierno, de las que destacaremos a El Bosco. Algunos siglos más tarde hay que destacar a Francisco de Goya, en su serie de pinturas negras y buena parte de sus grabados. Muestra los monstruos de la razón. De hecho suyo es el grabado con el título "El sueño de la razón produce monstruos". También mencionar la pintura romántica que muestra el lado más salvaje de la naturaleza, mencionar las pinturas del ingles William Blake, o del suizo Henri Fuselli. Ya en el siglo XX cabe destacar las desgarradoras pinturas del irlandés Francis Bacon y del vanguardista Edward Munch.

En el ambito de la escultura debemos remontarnos de nuevo a la Grecia clásica y las representaciones de la mitología, detenernos también en las esculturas medievales, concretamente la arquitectura del siglo XV(Gárgolas y tallas ).Puesto que las piedras talladas en las puertas de las catedrales y edificios civiles tienen un carácter moralizador y educativo. En estas se representan a los hombres que acaban siendo demonios por sus actos. Destacaremos una de las pocas representaciones de la arquitectura gótica civil, La Lonja de mercaderes de la ciudad de Valencia.

Saltamos ahora hasta el siglo XX donde el polaco Hans Bellmer desarrolla su serie de "poupies"

(muñecas) que consisten en una serie de maniquís articulados que representan a jovencitas en posiciones altamente eróticas. Ya el tercer Reitch calificó su arte de degenerado, pero fue acogido por los surrealistas franceses, puesto que sus muñecas hacían que en el espectador se desatasen los nudos de la represión y se cuestionase la hipocresía de la sociedad.

Ahora saltamos de nuevo en el tiempo, hasta finales de los 60, para hablar de Hans Ruedi Giger cuya obra ha despertado la nueva pasión por el arte gótico. De la que destacaremos su colaboración con Ridley Scott para crear el monstruo de Alien.

3. La mujer como Mcguffin.

Analizando detenidamente el motivo propiamente dicho, debemos empezar por la cadena de pensamiento que esta imagen (el monstruo llevándose a la mujer) despierta en nuestra mente.

Es evidente que el héroe deberá ir a rescatarla de las garras del monstruo. En este sentido podemos nombrar infinidad de películas, pero solo comentaré la más destacadas.

-El gabinete del doctor Caligari.

-El jorobado de Notre-Damme.

-King Kong.

-The Mummy.

-The Host.

-Frankenstein.

En esta última debemos decir que es la propia sociedad intransigente la que se comporta de manera monstruosa.

4.La muerte llevándose a las Almas.

Otra interpretación clásica sería ésta que aparece ya en los primeros films de la filmografía escandinava, concretamente en "La carreta fantasma" de Vicktor Sjöstrom. Donde no aparece este motivo visual, pero es la base de la película. Este si aparecerá en "El septimo sello" de su discípulo Igmar Bergman y en "Love & Death" del hilarante Woody Allen.

De aquí podemos extraer otra manera de representar el motivo visual que serían los fantasmas cerca de la mujer. Mencionar aquí "El fantasma y la señora Muir" de JL Mankiewicz. O las más recientes "Ghost", "El sexto sentido" o "Los otros", del español Alejandro Almenabar.

5.El monstruo enamorado

Otra lectura que se puede dar en ciertas películas, es cuando el monstruo cae rendido a los encantos de la mujer, que no hace nada por conquistarlo. El monstruo cae enamorado de la belleza que representa la mujer y en algunas películas adquiere un proceso de aprendizaje.

Ya en "La Belle et la Bête" de Jean Cocteau, se ve este proceso de una marera muy clara. La bestia, que como ya hemos dicho antes representa lo que nosotros reprimimos, inicia un aprendizaje de estas represiones. Bella dice textualmente que nunca le enseña su lado más salvaje, puesto que con ella siempre es cortés. Y más adelante en la secuencia del jardín, veremos a la bestia aguantar su instinto primario de caza, puesto que ella está delante. Más adelante en la secuencia final, veremos la transformación de la bestia, motivada por el encantamiento del amor. Y como sucumbe el personaje del hermanastro, que durante toda la película ha demostrado el comportamiento más monstruoso. Por otro lado mencionar también que este patrón de aprendizaje podemos verlo también en el King Kong que llevó a las pantallas Peter Jackson en el 2006.

Pasamos ahora a otro de los grandes relatos, el del francés Gaston Leroux, "El fantasma de la ópera". Pero nos detendremos en la versión que hizo Bryan de Palma en los años 70.

Phantom of the Paradise.

En esta versión, en clave de musical rock, podemos observar de nuevo que el monstruo es conducido a su conducta por la sociedad, o más bien por el rechazo que el genera por su fealdad. Concretamente iremos viendo como se transforma en el monstruo que acaba siendo y cómo la muerte es su única manera para liberarse.

Winslow es un joven compositor que está preparando una ópera rock. Conoce a Swan, un productor musical que le robará su obra y lo meterá en la cárcel. Winslow ya habrá conocido a Phoenix, una cantante que opta a entrar en el coro para Swan, de la que se enamorará profundamente. Ante el hecho de que no se reconozcan sus derechos como compositor, Winslow intentará sabotear la discográfica de Swan lo que le producirá una terrible deformación. Swan pretende inaugurar "el Paraíso", una sala de conciertos, con la obra de Winslow, pero éste saboteará de nuevo los ensayos y Swan le hará una oferta que no podrá rechazar. Escribir de nuevo la cantata, pero para la voz de Phoenix. Para ello deberá firmar un contrato con su propia sangre. Durante la inauguración, con homenajes al expresionismo alemán y al propio Frankenstein, Swan no cumple su parte del trato y el fantasma cumplirá su palabra de matar a todo aquel que cante que no sea Phoenix. Descubriremos entonces que Swan hizo un pacto con el demonio por conseguir la eterna juventud y ha hecho firmar sendos pactos a Winslow y a Phoenix. Winslow acabará con la vida de Swan, lo que provocará su propia muerte. Liberando así del maleficio a Phoenix, que en último momento se dará cuenta que el fantasma es el propio Winslow.

Otros títulos que merece la pena destacar serán;

-The Hunchback of Notre-Dame

-The creature from the black lagoon

-The Mummy

-Drácula...

Drácula.

Basado en la novela de Bram Stoker, ha protagonizado diversas cintas no exentas de polémica.

Aprovecharé este relato para mencionar 4 de sus versiones y detenerme profundamente en la última.

La primera que debemos analizar es el Nosferatu de F.W. Murnau. Dentro de las corrientes expresionistas, los relatos de terror y de ciencia ficción fueron una de las constantes, que dan muestra de los monstruos que una sociedad enferma es capaz de crear. Hay que mencionar las claves que influirán a la historia del cine, y más concretamente al género que estamos estudiando, como el tratamiento dramático que recibe la luz, o la deformación de los decorados (aunque esta sólo sea en la primera etapa) si que influencia en la manera que guionistas y directores tratan desde ese momento la escena para mostrar las interioridades del personaje. Decir que los autores expresionistas tuvieron algo de visionarios al prever los monstruos que estaban por llegar (Fascismo, Stalinismo). Otros títulos destacados del expresionismo en los que aparece este motivo visual son "El gavinete del doctor Caligari", "El Golem" o "Metropolis".

Continuaremos por 1931 con la versión que hace Todd Browning para la Universal, protagonizada por Bela Lugosi. La Universal a finales de los veinte no era más que una productora de segunda que no tenía cadena propia de distribución. Pero al especializarse en el género del terror alcanzó bastantes éxitos comerciales que le hicieron llegar hasta donde está ahora. No se ha caracterizado nunca por correr demasiados riesgos, pero durante la década de los treinta produjo muchas de las películas que ya son clásicos de este género, como "Frankenstein", "El hombrelobo", "El hombre invisible",...

Por otro lado debemos destacar las figuras de Bela Lugosi y Boris Karloff.

De Lugosi debemos mencionar su origen húngaro y que tras los éxitos del cine mudo entrará en una etapa de decadencia de la que le sacará, aunque no del todo, el creador de la serie Z Ed Wood. Ambos serán homenajeados por Tim Burton en la película "Ed Wood". Decir también que murió de sobredosis de opio creyendo ser el propio vampiro.

Boris Karloff será todo lo contrario, actor británico de más de 1'90m, aceptará su encasillamiento en el género y continuará con sus éxitos con la Universal Pictures hasta 1969 fecha de su muerte.

Buen momento este para detenernos la productora británica Hammer/Seven Arts productions. Nace en los años treinta con la asociación de Will Hinds y Enrique Carreras. Pero será en los años 50 cuando alcance su máximo esplendor. Caracterizados por realizar films con bajo presupuesto se decantaron por el género fantástico, puesto que la continuidad que este género conlleva lo convierte en un negocio rentable. Las figuras más destacadas de esta productora serán los directores Terence Fisher y Robert Corman (conocido como el director de Poe) o los actores Peter Cushing y Christopher Lee. Destacamos "Horror of Dracula" 1958 donde el vampiro, interpretado por C. Lee, no aparece hasta las secuencias finales, o "Frankenstein creo a la mujer" de la que hablaremos más adelante.

Llegamos ahora a la versión de Francis Ford Copola de 1992.

Analizaremos primero la historia propiamente dicha. Todo comienza cuando Jonhatan Harker es enviado a Transilvania, región de Rumanía, para cerrar unos tratos con el Conde Drácula, que quiere comprar unas propiedades en la ciudad de Londres. Una vez allí conocerá la naturaleza del monstruo y será apresado. Drácula por su parte habrá visto la fotografía de Mina, prometida de Jonhatan, y caerá rendido a sus encantos, más bien le recordará a la mujer cuya muerte provocó su maldición. Drácula viaja a Londres donde vampiriza a Lucy, amiga de Mina, lo que provocará que conozcamos al profesor VanHelsing. Johnatan consigue escapar del castillo de Drácula, juntos intentarán eliminar al vampiro pero este escapará a su Transilvania natal. Allí le tenderán una trampa usando a Mina de señuelo y ella conseguirá liberarse acabando con el vampiro.

Narrativamente este relato utiliza una narración fragmentada, ya sea por los diarios de los protagonistas o por la correspondencia que mantienen entre ellos. Este tipo de estructura la respeta Copola, pero no hay constancia histórica de que Bram Stoker se basara en el personaje histórico de Vladimir Tapes, Vlad el empalador. Esta hipótesis la trabaja Copola de manera independiente y le sale realmente bien. Destacaremos la escena inicial de la película en la que el conde tras conocer la muerte de su esposa reniega de dios clavando su espada sobre la cruz.

La importancia de darle el protagonismo al antagonista.

Como anunciamos, el verdadero protagonista de la historia es el propio Drácula. Y podemos decir esto porque se trata de una trama de metamorfosis. Aquella en la que el antagonista hace de catalizador, liberando al monstruo de su maldición. Y es por esto que tanto el personaje de Mina, como el de VanHelsing, son los únicos que aparecen en todas las versiones de este relato. Aparte, claro está, del propio Drácula. Serán aquellos personajes que se sienten cómodos en ambos mundos, el de los vivos y el de los muertos, los que tienen algo de monstruosos y por eso nos fascinan y perviven en las numerosas versiones de esta historia. La utilización de Mina como señuelo, ya demuestra un papel más activo de la mujer en la caza del monstruo. Anunciándonos los cambios que el papel de la mujer va a sufrir, tanto en la sociedad como en los relatos.

6.La monstruosidad de la inocencia

Como ya hemos dicho anteriormente otra manera habitual de mostrar el terror está en los niños. Por naturaleza ante la visión de un niño tenemos un instinto protector, para conservar la especie. Pero ¿Qué pasa cuando es lo que protegemos lo que se convierte en amenaza?

Debemos comenzar hablando de "The Bad Seed" (1956) del artesano Marvin Leroy, que ya nos muestra una demasiado perfecta niñita rubia. Pasaremos por la cinta británica "The village of the damned"(1960), en la que un grupo de niños rubios con una mirada penetrante aterroriza al la nación de Inglaterra. Llegados a este punto es ineludible hablar de uno de los maestros del género, el Uruguayo Narciso Ibáñez Serrador. Con sus películas y la serie de televisión "Historias para no dormir", mantuvo despiertos a muchos espectadores de lengua castellana. Destacaremos "La residencia" en la que se reunen todas las constantes del género. O "¿Quién puede matar un niño?" en la que la mujer protagonista muere asesinada por el bebé que lleva en sus entrañas.

Aprovecho esto para introducir otra manera de introducir el motivo que sería esa. El monstruo en nuestro interior. Empezaré por "Rosemary's baby" de Roman Polansky en la que Mia Farrow da a luz al hijo del demonio, por un pacto que hace su marido interpretado por John Cassavetes. Continumos con los demonios para llegar a "The exorcist", donde empezamos a ver una de las perversiones del motivo visual. La mujer como monstruo, que analizaremos más adelante.

Otros títulos destacados en los que el mal está representado por un niño serían "Carrie", "The Omen", o "Children of the corn".

7.La mujer como monstruo.

El papel de la mujer en la sociedad se está transformando y esa evolución se puede ir viendo en la historia del cine. Según algunas teorías feministas la "monster woman" sería aquella que no responde al papel que la sociedad patrialcal le ha dado. Y eso es lo que da miedo a la sociedad masculina.

Ya en el año 1932 el director Todd Browning lo utiliza en "Freaks", en la cual una femme-fatale seduce a uno de los enanos del circo en el que trabaja para heredar su fortuna. Donde se continua el discurso de que la sociedad intransigente que no quiere ver lo diferente, es la que crea los monstruos.

Otro punto que analizará Jacques Tourneur en "The cat woman" será la sexualidad femenina como amenaza. Utilizar el fuera de campo ya es una constante del género, pero es Tourneur el que la lleva al terreno de lo sublime. Influenciando al resto de autores de terror de cualquier expresión.

Analizaremos ahora "Frankenstein created the woman" del británico Terence Fisher, en la que el doctor Frankenstein, interpretado por Peter Cushing, atrapa el alma de un recién condenado a muerte por un crimen que no cometió y la pondrá en el cuerpo de la novia de éste que se había suicidado al saber que él había muerto.(¿Shakespeare?) La criatura, acabará completando la venganza utilizando las armas de la seducción.

Una vez aquí habrá que mencionar la figura de la "femme-fatale".

La "femme-fatale" o mujer fatal tiene su origen en figuras de diversas mitologías, como "Elektra" o "Pandora" de la mitología griega, "Isthar" de la mitología babilónica, "Visnú" en la mitología Hindú o "Lilith" de la mitología cristiana. Ya en la Grecia clásica aparecen obras dramatúrgicas con estas figuras, pero será a finales del siglo XIX cuando Franz Wekedind en "Die Büchse der Pandora"(La caja de Pandora) el que introduce claramente la figura de la "fatale" o vamp. Ésta se caracteriza por usar la seducción, utilizando a los hombres como medio para conseguir sus fines. Suele estar ligada a un hombre poderoso y adinerado del que querrá librarse, para unirse con el héroe. Él a pesar de saber que ella será su perdición, suele ser incapaz de resistir la tentación que ella supone. Destacaremos este papel en el movimiento cinematográfico del "Noir" norteamericano de los años 40, pero hay que mencionar que es un personaje que pervive hasta el cine de nuestros días. Destacaremos algunos títulos del mencionado movimiento en los cuales la figura de la "fatale" toma un papel más que protagónico. "Out to the past" de Jacques Tourneur, "Laura" de Otto Preminger, "The Maltese Falcon"de John Huston, o "The Woman in the Window" de Fritz Lang.

Robert Aldrich en "What ever happend to baby Jane?" nos mostrará a dos mujeres que se comportan de una manera monstruosa la una con la otra. La pobre Jane es una niña malvada, de más de 60 años, con su hermana, y Blanche representa la mujer sin escrúpulos capaz de todo por conseguir el estrellato. De este tipo de mujer podemos hacer mención a Nawja Nimri en la cinta española "El método".

Otro aspecto a mencionar es cuando la mujer pasa a ser héroe. "Alien"(1979) de Ridley Scott, es la pionera en este aspecto. Esto provocará problemas de guión, puesto que la mujer en el terror tiene unas funciones muy claras. Al desplazar al héroe, esas funciones se quedan sin cubrir y en Alien se solucionan añadiendo otra mujer. Analicemos la secuencia final, en la que Ripley se está preparando para meterse en la cápsula de hivernación y descubre al monstruo que creía muerto. Aquí ella se pondrá su armadura, como buen héroe de la tradición y se enfrentará al monstruo hasta acabar definitivamente con él.

Es un buen momento para lanzarme a la piscina, con una interpretación personal de "A nightmare on Elm street" de Wes Craven. En la que cada vez que hay un asesinato coincide con que la protagonista tiene algo que reprochar a la víctima. Y todo acaba cuando han muerto todos sus competidores por el amor de su padre. Aunque sólo es un rebuscado ejemplo del Complejo de Elektra.

8.Cuando el monstruo se viste de normalidad

Pasamos ahora a las películas cuya representación del mal sería la locura. El miedo a la perdida de la identidad, lo que la equipara al miedo a la muerte. Las películas de psicópatas es un híbrido entre el género policíaco y el de terror, que ya se puede llamar género en sí mismo por la cantidad de películas que ha producido.

Empezaremos por analizar la comedia negra de "Monsier Verdoux", última película del británico Charles Chaplin. En la que un padre de familia normal pierde su trabajo durante el crack del 29. Como no encuentra otro decide convertirse en una viuda negra que cobra las herencias de sus víctimas. Una aberración de la femme-fatale o homme-fatale. Acaba el film con un discurso sobre moralidad, acusando a la sociedad de nombrar a los criminales de guerra héroes.

Llegado este punto hay que hablar de Alfred Hitchcock, podría haberme centrado en él para preparar la exposición por ser un maestro en las claves del suspense, experimentando en cada película y manejando la mente del espectador a su antojo, pero ese trabajo ya lo hizo François Trouffaut en una serie de entrevistas que dieron lugar al libro "El cine según Hitchcock". He preferido centrarme en otros puntos de vista, pero no puedo dejar de mencionar "Psico", que es referente en la historia del cine.

En "The silence of the lambs" retomamos el papel protagonista de la mujer, que quedará fascinada ante la figura de Anibal Lecter. Y vemos otra manera de resolver el papel de la mujer dentro del género del terror, puesto que ella es intrépida en el campo que se siente cómoda. (despachos, entrevistas con Anibal). pero aún no es una mujer de acción, por lo que tiene que hacer el camino del héroe y volver victoriosa de su enfrentamiento con la muerte. Representado esta vez por Buffalo Bill.

Aprovecho para hablar ahora de la película "Shutter Island" de Martyn Scorsesse. De la que hice la crítica para un concurso al que nunca me presenté.

El sueño de la razón crea los monstruos de nuestra mente. Lúgubre y tenebrosa es la atmósfera en la que nos introduce magistralmente uno de los grandes directores de la posmodernidad. Giros que conducen a la locura y un ambiente opresivo que refleja verazmente los autoengaños de la mente del protagonista, al que acompañamos durante gran parte de la película. Una vez nos distanciamos, el film empieza a perder fuerza, demasiada explicación verbal que sólo enreda la verdadera cuestión. ¿Es la lobotomía una práctica moral? Un médico que, a voluntad, es capaz de reducir a un ser humano a poco más que un autómata obediente.

Analizándola externamente parece del todo inverosímil que en una institución mental de los años 50, se pruebe un juego de roles con uno de sus pacientes más peligrosos. Aceptamos la premisa, que ya aparece en el libro de Lehane, por la lección de lenguaje cinematográfico de la que Martin hace gala en las secuencias iniciales y en la, un tanto barroca, secuencia del pabellón C. También nos dejamos engañar por la soberbia interpretación de Leonardo DiCaprio, se nota que evoluciona destacadamente desde sus primeros trabajos con Scorsese. También geniales Ben Kingsley y Max Von Sydow, que no dejan atrás la sutileza de Mark Ruffalo, quien no defrauda en un papel tan exigente.

Preferible vivir como un hombre feliz que como un monstruo, acaso Scorsese y Kalogridis nos quieren dar a entender que Teddy elige... una curva de personaje un tanto hiperbólica. Problemas de adaptación aparte, el metraje destaca por su fotografía y ambientación. Se nota que Scorsese se ha empapado del pesimismo crítico del cine policíaco de aquella época, dejándose influenciar por Tourneur o Hitchcock, para llegar a relatos más recientes como el de Forman o Aronofsky. También se debería mencionar "Los renglones torcidos de dios" de Torcuato Luca de Tena. Martin es de los pocos que, sin tomar demasiados riesgos, juega con el lenguaje cinematográfico como un niño en un charco de barro.

Para acabar con esta interpretación del motivo visual, debo mencionar el gran trabajo hecho en "Seven".

9.Monstruosidad cotidiana

Llegamos ya al final de la exposición y no podemos dejar de nombrar esos personajes masculinos monstruosos que han poblado nuestras pantallas. Empezaremos por "El bruto" de la etapa mejicana de Luis Buñuel. Donde el monstruo es a la vez verdugo y posterior víctima de una mujer fatal. O a Marlon Brando en los papeles de "A streetcar named desire" o "The last tango in Paris". También la escena final de "The godfather" cuando se cierra la puerta a la esposa después de que a Michael le besen la mano.

10.La ausencia del monstruo

Veamos ahora lo que ocurre cuando desparece la figura física del monstruo. Realmente serán aquellas películas que más horror nos producen, puesto que el mal está ahí y no lo podemos tocar.

Algunos ejemplos de este tipo de películas serían "The invasion of the body snatchers", "Galaxy of terror", "Alien" o "2001 A space odyssey".

Aquí aparte de analizar por encima esta ausencia y las terroríficas consecuencias que esto lleva también relataré algunas de las cosas que se me quedan en el tintero y no me ha dado tiempo de investigar. Como sería el nuevo terror oriental, que respeta las claves del género en vez de repetir la formula del siglo pasado. O los universos personales de Dario Argento y Alejandro Jodorovski.

Las claves del terror adolescente, pasando por "Halloween", "Friday 13", "The texas chainsaw masacre",... También los nuevos monstruos para niños "Monsters Inc.", "Shrek",...